sábado, 29 de marzo de 2014

Un cuento de lágrimas en Portugal

Apuesta poética de Silvia Copello 

Escribe: 
Alvarez Castillo



Inspirada en la obra de Alejandro Casona: “Corona de amor y muerte”, Silvia Copello se animó a ir por más y compuso este texto poético-narrativo, que ella misma anima, con su voz y su cuerpo, en el Teatro del pasillo, desde mediados de marzo, los días viernes.

A pocos metros de los espectadores, con su imagen superpuesta a una serie de proyecciones, con música incidental, nos transporta a la Edad Media, a Portugal, a Coimbra, a la tierra y a la época en que tuvo lugar esta verdadera historia de amor entre Inés y Pedro.
 Silvia Copello, por 40 minutos, tomó el reto de cautivarnos con su presencia y su texto. Reto auténtico en el que nos cuenta las desventuras y la tragedia que hacen a esa relación entre un heredero que arriesga todo por esa mujer. Con Inés de Castro tendrá 3 hijos que despertarán temor en la sucesión de la corona en el viejo rey, Alfonso IV.

Los dos túmulos mortuorios, en mármol trabajado, enfrentados desde las plantas de los pies, en la confianza de que el día en que resuciten, al alzarse ambos cuerpos se descubrirán uno ante el otro; es una hermosa metáfora de este amor y de la confianza que siempre mantuvo Pedro, más allá del espanto y tragedia, de que su destino era junto a su amada, y que nada de lo que se interpusiese iba a triunfar por encima de la voluntad de ellos. 


Nos hubiera gustado, en algunos pasajes, presenciar mayor dramatismo en la expresividad. Quizá ello hable de la falta de cierta marcación en el texto que potencie aún más la historia. Atentos, igualmente, a que estamos ante un relato llevado a una forma particular de representación.


La música y el video acompañan acertadamente a Silvia Copello, durante la puesta de la narración. Y es logrado el efecto de Copello  en diálogo con su imagen, sobre el fondo proyectado de Coimbra.
Una obra para un público sensible que valorará este rescate de la historia de Inés de Castro y Pedro I de Portugal.



Sinopsis de la obra de Alejandro Casona: “Corona de amor y muerte”

De carácter histórico, la obra se centra en el personaje de Doña Inés de Castro y su relación con el Infante don Pedro, heredero de la corona de Portugal. Éste se ha comprometido en un enlace de carácter político con Constanza de Castilla. El problema surge cuando el infante reconoce estar enamorado de doña Inés con la que ha tenido ya tres hijos.

Ficha técnico artística



TEATRO DEL PASILLO
Colombres 35 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4981-5167

Web: 
http://www.delpasilloteatro.com.ar
Entrada: $ 50,00 - Viernes - 21:00 hs - Desde el 14/03/2014 


El Diablo pellizca, obra de Claudia Carbonell y Alejandra A. González

Escribe: Alejandro Miroli 


Cuarta obra de González & Carbonell, con dirección de la propia Claudia Carbonell, El Diablo Pellizca presenta a cinco pensionistas en un geriátrico, que van a vivir una transformación en la búsqueda de la memoria.
Empleando las propias herramientas teatrales –en un ejercicio más de teatro dentro del teatro- los personajes se abocan a un ejercicio de representación teatral para rescatar la memoria de Doña Joaquina –quien en su madurez fuera una importante actriz teatral que representó los grandes papeles femeninos del teatro occidental–. Así Doña Joaquina revive sus personajes más encarnados, desde los cuales entra en diálogo con todos sus compañeros, situaciones en las que hay una memoria feroz, sin traza de amnesia u olvido.


La obra tiene un talante optimista, después de los ensayos de “La Casa de Bernarda Alba”, los pensionistas de El Diablo Pellizca, dejan de tomar medicación y parecen reparar sus problemas físicos; no está claro que el compromiso exhibido en dichos ensayos pueda auspiciar dicho resultado en ninguna situación real.


Por último El Diablo Pellizca tiene un final brillante, que cierra y da sentido a todo el desarrollo, que pone el azar en juego cuando se arriba sin saberlo al resultado esperado.


Matilde Campilongo hace una excelente representación de cuatro personajes, casi en forma perfecta; el resto del elenco exhibe solvencia y precisión: Sandra Grandinetti compone una pensionista que preserva su ancianidad actuada en forma precisa. Javier Gómez, Gerardo Niñe y Amadeo Pellegrino, en cambio, parecen olvidar la ancianidad que exhiben en el comienzo de la obra, y en forma automática parecen recuperar la juventud. Silvia Villazur –en un papel que opera como el ordenador de la acción dramática– está precisa e introduce un elemento de comedia. Fernando Armani exhibe un gran oficio teatral, María Laura León en el papel de la hija debería acentuar la emoción de una madre ausente. 

Cierta aceleración conspira contra la continuidad, en algunos momentos, y descoloca a los actores con su texto.

La escenografía es austera y precisa, mientras la iluminación y la musicalización contribuyen a la calidad del espectáculo. Sobre el final  recae sobre ella la ubicación temporal de la obra.
Por último, dos salvedades: a diferencia de lo que afirma un personaje, Federico García Lorca fue asesinado por obscuras cuestiones familiares y por su homosexualidad, no tanto por sus ideas republicanas. 


"El diablo pellizca" debería ser vista por todos los lectores de la obra de Oliver Sacks; los casos clínicos, que presenta este neurólogo inglés, exhiben la complejidad y provocan nuestro asombro de modo semejante a la forma en que Doña Joaquina expresa una demencia cargada de recuerdos.

ELENCO  Joaquina Catuara Chahuí…MATILDE CAMPILONGO /Horacio Albarracín Andrada……FERNANDO ARMANI/ Rita….MARÍA LAURA LEÓN/ Lali…SILVIA VILLAZUR/Sra. de Gutusso…SANDRA GRANDINETTI/Don Jacobo...JAVIER GOMEZ/Don Dante….GERARDO NIÑE/Don Giuseppe…AMADEO PELLEGRINO

FICHA TÉCNICA  Música Original y Diseño Sonoro.…ANALÍA ROSENBERG/Diseño de Escenografía y Vestuario….JORGE LOPEZ/Asist de Vestuario...LAURA CROCE/Asesoramiento en Peinados….FEDERICO BRÚ/Diseño de Iluminación….GUSTAVO DIMAS GARCÍA/ Prensa y Difusión…LAURA CASTILLO/ Fotografías...MARCELA GABBIANI/ Técnico de luces…ALFREDO TORRES/ Diseño Gráfico…….SANTIAGO CARRIZO/Producción General….RUHESI PRODUCCIONES/ Asist de Dirección….MARÍA HORTON/Dirección…CLAUDIA CARBONELL

SÁBADOS 21:30 hs
TEATRO PATIO DE ACTORES 
Lerma 568 - TEL.: 4772-9732
Entrada gral. $90 Desc. estudiantes y jubilados: $70
Reservas EXCLUSIVAMENTE por http://www.alternativateatral.com/entradas.asp

lunes, 24 de marzo de 2014

Estocolmo mon amour, y el otro lado del espejo

Escribe: 
Alvarez Castillo   



La sinopsis que nos ofrece el Grupo PIVOT, alcanza para darnos cierta idea sobre el argumento de esta obra de Marc Egea. 


"Estocolmo mon amour es una comedia sobre un grupo de maestros que, empujados por la codicia y el deseo del dinero fácil, deciden cometer un secuestro. La jefa máxima de la operación reúne a los secuestradores para informarles que han secuestrado a la persona equivocada. Hay que proceder, por lo tanto, a la liberación de la rehén.
Pero la impericia de los captores hace que se cometa otro gran error…
Se desencadena entonces un conflicto que pone al descubierto las tragicómicas miserias de los secuestradores.”



El trabajo sobre dos perspectivas de la acción, una vuelta de tuerca que
podemos denominar la otra mirada, donde se presentará el síndrome de Estocolmo –del que recibe el nombre la obra– en clave romántica, es una interesante experiencia que tiene en la literatura antecedentes importantes, y no sólo “El cuarteto de Alejandría” de Lawrence Durrell.


Estocolmo mon amour es una comedia a un mismo tiempo policial y romántica, que crea complicidad en el espectador. Éste sabrá, llegado el momento, más que los mismos actores que están en el escenario, por esa visión del otro lado de la cortina que presenta el texto. Allí se desnuda la realidad que sugiere la primera parte

El lenguaje coloquial en el que se narra la historia, las palabras que ocultan inicialmente el secuestro (la liebre), o los apodos que intentan enmascarar a estos amateurs de delincuentes, junto a otros elementos que riegan la obra, ayudan a que lo humorístico y la actuación de los actores, no den pausa en la atención. El espectáculo tiene una lograda dinámica desde el inicio hasta el fin.


El grupo presenta una actuación y ensamble convincentes, siendo los puntos más altos –a nuestro parecer– los trabajos de Marianela Quevedo y del Daniel Di Rubba, quien merece una distinción aparte por su dirección y adaptación de la creación de Marc Egea, un joven y contemporáneo dramaturgo catalán, homónimo del músico y compositor, especializado en la zanfona.



Mención aparte merece Mirta Vacalebre, una verdadera capocómica, quien ya nos ha sorprendido excelentemente con su intervención en otra adaptación y dirección de Daniel Di Rubba, Mujeres jubilosas, (http://arteenbaires.blogspot.com.ar/2012/07/mujeres-jubilosas.html). En esta obra también es la última en aparecer. Interesante coincidencia, porque su energía sobre el escenario moviliza el elenco. 


En la función a la que asistió Arte en Baires (1), el papel de Sandra, en suplencia de la actriz titular, lo cubrió satisfactoriamente Lucía Espósito.



En nuestra síntesis, el grupo PIVOT da muestras de solvencia en su trabajo y producción. El imprevisto señalado de la función del 7 de marzo, a la que asistimos, y la normalidad en la representación de la obra, son una clara señal de lo que decimos.


      (1)   7 de marzo de 2014.

Ficha de la obra:

Grupo PIVOT
Bea    Liliana Gallo
Javier     Daniel Di Rubba
Víctor     Pablo López
Sandra     Antonella Tiravassi
Señora X    Adriana Gallo
Ale    Mirta Vacalebre
Natalia     Marianela Quevedo

Abajo del escenario:
Nacho Ramos     Actor Suplente y asistente
Lucía Espósito     Actriz Suplente y asistente 

Autor: Marc Egea
Dirección Y adaptación: Daniel Di Rubba

Duración del espectáculo en minutos: 90 minutos

Teatro Porteño (Corrientes 1630):
Funciones Viernes 20.30 hs., 
desde el 07/03/14 al 25/04/14.
www.teatroportenio.com Tel: 011-4372-5474     


miércoles, 5 de marzo de 2014

Carnes Una creación de Gustavo Soto

Escribe:
Alvarez Castillo 



Arriesgamos, y nos animamos a sugerir, que lo que anima a Gustavo Soto en esta nueva experiencia es desentrañar qué es un cuerpo, qué hay en él, detrás de su apariencia, además de esa “carne” que es presencia, o simplemente, cuánto de carne hay en él.
En el blog de la obra se anuncia que: La puesta en escena quiere representar de manera abstracta y poética el ámbito de un frigorífico, de las reses y costillares  donde todo puede pasar, abriendo un abanico de posibilidades de la percepción a través de la música y los movimientos de los intérpretes bailarines en escena.”. Visualizamos una escenografía minimalista que les da los protagonistas los elementos esenciales, desde la ropa o el mismo desnudo, sobre los que apoyarán su acción en la escena.

Ante nuestro ojos está la voluptuosidad de un cuerpo, la estilización de otro; el despojarse de las vestiduras, como un rito que desnuda algo más que esa superficie que es la piel. Cuerpos que se contorsionan, se sacuden; torbellino, temblor y quietud, mientras otros exhiben un ritmo robótico y estallan en danza. Y lo masculino: es ausencia y presencia, y desde ese ocultamiento, y desde esa aparición furtiva, moviliza en los otros actores de la obra la acción. Hay cortejo, hay atracción, seducción y rechazo. Esas carnes –como granos de arena tirados al azar sobre una tabla rasa– están tras el significado, una mirada, un contacto, que les otorgue sentido.



El grupo se expresa fiel a la idea de la obra. Música y protagonistas danzan la misma partitura.








Ficha técnica:

Intérpretes: Belinda Actis, Nuria Vadell, Romina Alaniz, Damian Saban.
Música Original e ingeniería de sonidos: Alberto Quercia Lagos.
Diseño gráfico: Alejandro Elizondo.
Camcoder VideoArte Danza: Roddy Castro.
Fotografía: Martín Raviolo.
Escenografía: Verónica Vojcicki.
Diseño de Iluminación: Gustavo Soto.
Vestuario: Marisa Elorriaga.
Asistente de producción: Alejandra Centanaro. 
Prensa: Simkin & Franco.
Composición coreográfica y dirección general: 
Gustavo Soto.
Duración: 40 minutos.